「もしもこの世が舞台なら、楽屋はどこにあるのだろう」第1話ネタバレ感想｜登場人物30人超の“楽屋裏”に隠された人生の伏線とは？

三谷幸喜によるオリジナルドラマ『もしもこの世が舞台なら、楽屋はどこにあるのだろう』第1話が放送され、まさに“舞台の楽屋”のような混沌とした人物紹介と伏線だらけの展開が話題になっている。

菅田将暉、二階堂ふみ、浜辺美波、神木隆之介など超豪華キャストが入り乱れ、30分を超えるキャラ紹介だけで圧倒された視聴者も多いだろう。

しかし、この「長さ」の中にこそ、“人生は舞台であり、我々はみな役者である”という哲学が込められている。この記事では、初回で提示された謎と伏線、そして物語の裏側にある感情の地図を読み解いていく。

「キャラ紹介だけで30分」は、本当にムダだったのか？

開始10分で顔も名前も追いつかない。

20分経っても、物語が進まない。

そして30分が過ぎて、ようやく気づく。「あれ、これって、全部“必要”だったんじゃないか？」と。

登場人物30人超に込められた“人生の比喩”

この物語、最初から“キャラ過多”を覚悟していた。

八分坂に集う登場人物は30人超。しかもひとクセもふたクセもある、いわば“感情の爆弾”たち。

劇場のオーナー、スナックのママ、逃げた照明係、行方不明の子ども、巡査、巫女…誰一人として「背景」がないキャラはいない。

この混沌としたキャラたちは、まるで“人生の断片”を切り取って集めたように見える。

誰かの人生の「楽屋裏」を覗くような感覚。台詞や行動の端々に、過去の傷や希望、諦めや野心がにじみ出ている。

だからこそ、一見“説明ゼリフ”に見える会話が、すべて「その人の役割」にも「生きざま」にもなっている。

あの30分は、ただの紹介じゃない。

「どんな舞台にも、背景と裏側がある」ということを、登場人物一人ひとりの“自己紹介”で語っていたんだ。

三谷幸喜が初回で伝えたかった“舞台裏の意味”

三谷幸喜は25年ぶりにフジテレビで“完全オリジナル”脚本を手がけた。

その初回で彼が描いたのは、起承転結の「起」ではなく、“何者たちがここに集うのか”という問の立て方だった。

視聴者にわかりやすいストーリー展開よりも、まず“人物の存在感”を根付かせることを選んだ。

「劇団はわからなくていい。理解しなくていい。なんでわかりやすくしたいんだ！」

この台詞は、ドラマの作り手＝三谷自身の主張にも聞こえる。

“わかりやすさ”に回収されない複雑さこそが、人間の魅力だと。

観客（視聴者）は、舞台の照明が灯るまで、誰が主役かすら分からない。

それこそが、このドラマの“設計思想”であり、“舞台であるこの世”を体験する最初のステップだった。

30分かけて描かれたのは、ストーリーの前段ではなく、“感情の座標軸”だった。

どこで誰が泣き、誰が怒り、誰が照明を当てるのか。

この座標を読めるようになったとき、視聴者はようやく「観客」から「共演者」になる。

そしてこの物語は、“楽屋”から“舞台”へと動き出す。

つまりこうだ。

「長い」と感じたその30分が、感情の土台を築いていた。

そう気づいた瞬間、この作品は「説明不足な群像劇」ではなく、「感情を伏線にした劇中劇」になる。

わからないまま進んでいい。

人間だって、最初から誰のことも理解できやしない。

けれど、理解したくなる。

その気持ちが、ドラマの“続きを見る理由”になる。

久部（三成）が照明を当てた先に見えたもの

ピンスポットの明かりは、ただ“光”を当てるだけじゃない。

そこに立つ者を、主役にする。

そしてその行為は、照らす側の“再生”でもある。

ラストのピンスポットに宿る“再生の兆し”

ドラマ『もしもこの世が舞台なら〜』第1話のクライマックス。

渋谷のスナック「ペログリーズ」で“9万円ナッツ事件”に巻き込まれた久部三成（菅田将暉）が、無一文で叩き出された先でたどり着いたのは、WS劇場の袖だった。

リカ（二階堂ふみ）が踊り出す。

しかしそこには、本来あるはずの“照明”がなかった。

それを久部が自らの手で補う。

照明係が逃げたというトラブルの穴を、自らの判断で埋める。

この瞬間、久部は“観客”から“舞台の一員”へと変わった。

いや、むしろそれは、彼が“役者”として再び呼吸を始めた瞬間だったのかもしれない。

演劇とは、誰かにスポットを当てること。

そして、自分がその照明を当てる位置に立つことで、「もう一度、始めよう」と覚悟すること。

ピンスポが当たり、リカが踊り、久部が頷く。

このたった数十秒の映像に、第1話すべての“種まき”が静かに芽吹いたような感覚が走った。

舞台は、照明が灯って初めて“劇”になる。

そして、人生もまた、誰かに照らされることで“生”を取り戻すのかもしれない。

蜷川幸雄へのリスペクトが語る“舞台愛”

「やっぱり蜷川幸雄はすごい！僕の心の師です」

酔った久部が放ったこの台詞は、単なる演劇ファンの戯言ではない。

蜷川幸雄──舞台という“戦場”に魂を捧げた男。

その名を久部の口から語らせることで、彼の“演劇への未練”が強烈に浮き彫りになった。

久部は、おそらくかつて“役者の道”を目指し、そして何かを理由に舞台を離れた。

シェイクスピア全集を持ち歩くほどの演劇愛。

「舞台なんて、もう二度とやるか」と言いながら、心の片隅では“戻りたくて仕方ない”衝動を抱えていたのだろう。

そんな彼が、誰に頼まれるでもなく、リカに光を当てる。

まるで蜷川幸雄が“沈んだ俳優に向けて、黙って舞台に押し出すように”背中を押したように。

久部のピンスポットには、照らす側の“覚悟”と“願い”が宿っていた。

照明とは、演者の感情に寄り添い、際立たせ、観客に届ける“もう一つの演技”だ。

それを選んだ久部は、役者ではなくても、すでに“演劇の中に戻ってきていた”。

「僕は、まだ舞台のそばにいたい」──そんな心の声が、照明に変換された瞬間だった。

そして、その光を受けたリカは、踊りのラストで“ニヤリ”と笑った。

あの笑みは、久部が差し出した「再生の光」に、確かに応えた証だった。

舞台は照らされ、物語は動き出した。

“楽屋”でくすぶっていた久部の物語が、ついに“舞台”へと上がったのだ。

WS劇場は、人生の縮図である

このドラマで描かれる舞台「WS劇場」は、決して華やかな場所じゃない。

赤字続きのストリップ劇場。

潰されかけて、笑われて、それでも生き延びようと、必死に“表現”を続けている。

だがその姿が、どこか「私たちの人生そのもの」にも重なって見えるのだ。

ストリップ劇場に込められた“表現の意地”

WS劇場は、物語の中心舞台。

けれどその存在は、きらびやかな“大劇場”ではない。

小さなストリップ劇場。

「今どきストリップ？」と、思う人もいるかもしれない。

だが、この設定にこそ、表現とは何か、生きるとは何かを問う、三谷幸喜の“意地”が詰まっている。

照明も不安定、音響もギリギリ、観客もまばら。

それでも舞台に立つ者がいる。

踊る者がいて、見届ける者がいて、裏方で支える者がいる。

この劇場には、「何かを伝えたい人間たち」の必死さが詰まっている。

“うまくいかない表現”にも、生きる意味がある。

それが、この劇場の空気には漂っている。

成功しなくても、報われなくても、届けようとする気持ちが、ここにはある。

そのひとつひとつの“諦めない姿勢”が、WS劇場を「人生の縮図」に変えている。

「ノーパンしゃぶしゃぶ」に負けない演劇魂

劇場を潰そうとする一言が強烈だった。

「ここを潰してノーパンしゃぶしゃぶにしたい。」

この台詞、笑えるようで笑えない。

金になるか、ならないか。

その一点で“価値”を判断されてしまう社会の縮図が、ここにある。

表現なんて、金にならなきゃ意味がない。

感動なんて、数字に出なきゃ価値がない。

そんな“数字至上主義”の時代に抗うように、WS劇場はそこにある。

浅野大門（野添義弘）のセリフが刺さる。

「ストリップ劇場にこだわりたい。」

この言葉は、見捨てられた表現への“愛”の告白だ。

そしてそれは、“舞台を諦めきれない人間たち”の物語を、この劇場に集わせる理由にもなる。

演劇もストリップも、「裸になる覚悟」が必要だ。

演者は、心も身体も“さらけ出す”。

その覚悟の上にしか、本当の“感情”は生まれない。

だからこの劇場は、滑稽で、切実で、そして美しい。

華やかではない。

だけど、確かに生きている。

その空気感が、WS劇場を“舞台”であると同時に、“人間”の象徴にしている。

久部がリカに照明を当てた場所が、WS劇場だったのは、偶然ではない。

人生の“照明係”として、再び生きる決意をした男の始まりにふさわしい舞台だった。

ここには、スポットライトよりも眩しい“生き様”がある。

だからこの劇場は、ただの舞台装置なんかじゃない。

視聴者にこう問いかけてくる。

「あなたの人生には、今どんな照明が当たっていますか？」

リカ（倖田）の9万円ナッツ事件に隠された試練の構造

「お会計、9万3600円です。」

──高すぎるハイボール、ではない。

問題は、ナッツが9万円だということ。

この“ナッツ事件”は、ただのぼったくり劇場かと思いきや──実は、久部にとっての“試練”であり、“通過儀礼”だったのだ。

ただのボッタクリではない、“覚悟”の儀式

渋谷のスナック「ペログリーズ」で、久部はリカと語り合い、心を解き放つ。

そしてハイボールを一杯…のつもりが、会計はまさかの93,600円。

その内訳はこうだ。

• ハイボール：良心的な価格
• ナッツ：90,000円

そう、値段が高いのは“つまみ”のほう。

ここで問われているのは、金ではない。

「あなた、本当にこの世界に戻る覚悟、ある？」

──そう突きつけられているのだ。

照明を逃げ出した自分。

舞台から距離を取っていた久部。

そんな彼がもう一度「演劇の世界」に戻るためには、“なんか嫌なこと”を飲み込まなければならない。

それが今回の場合、たまたまナッツだった──それだけの話だ。

現実世界の“理不尽さ”を噛み砕けない者に、舞台に立つ資格はない。

舞台に立つ者は、時に恥をかき、搾取され、でもなお光を目指す。

ナッツの9万円は、「その程度のことで潰れるな」というメッセージだったのだ。

「自分を信じて」の言葉が持つ重み

支払いができず、逃げようとする久部。

ケントちゃんに捕まる。

その直前、リカが言った一言。

「これだけは忘れないで。自分を信じて。」

この台詞、ただの励ましではない。

“信じる”とは、失っていた過去をも背負うこと。

“自分を信じる”とは、逃げた自分も、ダメだった自分も含めて、もう一度立つということだ。

久部は、照明係ではない。

演者でもない。

でも、“誰かの舞台を照らすこと”ができた。

リカのあの笑顔を引き出せた。

その瞬間こそが、リカの「自分を信じて」が意味を持った瞬間だった。

リカは久部に問うていたのだ。

「あんた、この先“表現”と“人生”を引き換える覚悟、あるのか？」

ナッツの代金はその試金石。

払えるか払えないかじゃない。

飲み込めるか、否か。

リカの9万円は、愛の鞭であり、“生きる舞台”への入場料だったのだ。

舞台に立つ者は、いつだって“理不尽”と握手してきた。

それでも照明の下に立ち、声を出し、踊り、泣き、笑う。

それこそが、生きるということ。

久部が払うべきだったのは、お金ではない。

「もう一度、自分を信じる覚悟」だった。

子ども・朝雄の“迷子”は誰の比喩か？

昭和の町並みが残る八分坂、その境内で出会うのは一人の少年──朝雄。

迷子の子ども。

だが、この「迷子」は、ただ親とはぐれた子ではない。

“物語そのもの”が迷っている象徴であり、登場人物たちの“過去”を掘り起こすスイッチだった。

神社での邂逅が示す“導かれた再会”

久部は、神社で白紙のおみくじを引く。

そして巫女（浜辺美波）からこう言われる。

「あなた次第です」

“運命は自分で選び取れ”という啓示。

そのあとに出会ったのが、迷子の朝雄。

この順番が示しているのは、「お前がどう動くかで、物語も変わる」ということ。

つまり、朝雄との出会いは偶然ではなく、久部への“呼びかけ”だった。

朝雄は誰の子か？

作中では、モネ（秋元才加）の息子であり、巡査の六郎（戸塚純貴）と一緒に捜索されている存在。

しかし、それ以上に彼は“象徴”として機能している。

ひとりでさまよう姿。

誰にも頼らず、でもどこか安心しているような表情。

この子は、物語の“導き手”であり、主人公たちの“迷い”を映す鏡でもあるのだ。

そして、久部が朝雄を見つけたとき。

それは彼が“舞台”に再び引き寄せられていく転換点でもある。

人生が舞台ならば、朝雄は“最初に登場する謎の子役”としての意味を持っていた。

迷子の存在が、劇の“核心”を象徴する理由

迷子というのは、ただ親を探している存在ではない。

世界のなかで自分の“居場所”がまだ決まっていない存在。

そしてそれは、久部自身、リカ自身、劇場の誰もが抱えている“心の状態”でもある。

照明が逃げた劇場。

閉店に追い込まれる寸前の演者たち。

自分が何者で、どこに立つべきか、みんなが手探りの状態だ。

そんな「大人の迷子」たちの真ん中に、物理的な“迷子”が存在している。

つまり朝雄は、舞台に上がる前の“私たち全員”の姿なんだ。

名前はあるけど、役割はまだない。

観客なのか、演者なのか、演出家なのか、わからない。

でも、それでも“この世界”のなかに立っている。

その姿が、観る者の胸を静かに揺らす。

そして、物語の中盤でリカが踊る。

久部が照明を当てる。

その間にも、朝雄という“小さな迷子”が舞台袖に存在している。

彼はそのとき、何を見ていたのだろう？

“自分を照らす光”を、無意識に探していたのかもしれない。

大人たちはみな、自分の役を演じるのに必死だ。

でも、子どもは、そこにただ「存在」しているだけで、物語に意味を与えてくれる。

朝雄というキャラが登場した時点で、この物語が“観念的な舞台劇”ではなく、“心の物語”であることがはっきりした。

迷子の子は、実は“すべての始まり”だったのだ。

そして私たちもまた、どこかで迷っている。

この舞台で、自分の居場所を探している。

そう思うとき、朝雄の小さな背中が、まるで観客席に座る私たち自身の姿のように思えてくる。

シェイクスピア全集は、久部自身の“劇”だった

久部が背負っていたボストンバッグ。

その中に詰まっていたのは、服でも金でもなく──シェイクスピア全集。

この重たい本の束は、単なる読書好きの証ではない。

それは、彼がまだ“演劇を諦めきれていない”という無意識の表明であり、彼自身の“過去の夢”そのものだった。

トニーに殴られそうになる場面の象徴性

ナッツ代9万円が払えない久部は、ペログリーズで“取立て”を受ける。

呼び出されたのはトニー安藤（市原隼人）。

彼が久部のバッグをあさり、中から出てきたもの。

それがシェイクスピア全集だった。

このシーン、一見シュールで笑える展開に見える。

だが、これはただのギャグではない。

自分の“心の核”を、他人の手で無理やり暴かれる瞬間。

そして、殴られそうになる──これは、自分の“劇”が、現実世界で否定されそうになるという暗喩なのだ。

演劇の世界に救いを求めている久部。

しかし、それは社会的には“何の役にも立たない”と思われがちなもの。

トニーはそれを手に取り、まるで「こんなもんに何の価値がある？」とでも言いたげに扱う。

だがリカが止めに入る。

「あれは人質。」

──この一言が効いている。

久部の“劇”は、まだ終わっていない。

彼の中にある“シェイクスピア”──つまり、感情を言葉にして他者に届ける力は、まだ失われていない。

そして、それを“守る者”が現れた瞬間でもある。

それがリカだった。

舞台と現実の垣根を壊す“劇中劇”の仕掛け

第1話を通して印象的なのは、「これは現実なのか？それとも舞台なのか？」という揺らぎ。

久部が舞台袖に迷い込む。

ペログリーズがいつの間にか劇場の裏口につながっている。

この「劇中劇」的な構造は、シェイクスピアが得意とした手法でもある。

現実だと思っていた場面が、実は“芝居の一部”で。

真実のように語られる台詞が、実は“演技”で。

境界線をなくすことで、観客の感情を深く揺さぶる。

久部がバッグにシェイクスピア全集を詰め込んでいたのは──

そう、自分がいつでも「劇の中に帰れるように」との祈りだったのかもしれない。

舞台は遠い。

でも、本を抱えていれば、台詞を覚えていれば、いつかまた“光の中”に戻れるかもしれない。

その願いを、誰にも言えず、バッグに詰めて持ち歩いていた。

それを他人に見られるということは、心の奥に隠していた“夢”を暴かれることに他ならない。

この作品のタイトルが語るように──

「もしもこの世が舞台なら、楽屋はどこにあるのだろう」

その答えのひとつが、あのボストンバッグだった。

久部にとっての“楽屋”とは、心の中にしまっていた「劇への愛」そのもの。

そしてそれをもう一度開くこと。

それが、彼の“再登場”の合図だった。

演者の“素”がにじむ瞬間を、どう見るか？

俳優が台詞を喋る。

動きを決められたようにこなす。

──それが“演技”だと思っていた。

でも、ときどきある。

「これは役ではなく、“あの人”自身の呼吸なんじゃないか？」という瞬間が。

第1話には、そんな“にじみ出た素”があちこちに散りばめられていた。

それは、三谷幸喜が得意とする「キャラの向こうに、演者を見せる技法」でもある。

神木隆之介、浜辺美波、二階堂ふみに宿る“役を超えた呼吸”

神木隆之介が演じる蓬莱省吾。

リカ（二階堂ふみ）の代役を頼みに走り回る、少し頼りない劇場スタッフ。

でも、その“あたふた感”が、まるで素の神木くんそのもののように感じられて、見ていて妙にグッとくる。

演技が“リアル”を超えると、そこにあるのは「嘘っぽいリアル」ではなく「生きた役」になる。

神木くんの目の泳ぎ方、声のトーン、ちょっとした間の取り方──

全部、「演じているようで、実は本当に慌てている人間のそれ」に見えた。

同じことは、浜辺美波にも言える。

彼女が演じる江頭樹里（巫女）は、台詞こそ少ないが、“全知の存在”のような余裕が漂っている。

まるで舞台の“演出家”のような立ち位置。

言葉を多く語らずとも、視線と姿勢だけで「物語を見通している」ように見える。

これは浜辺美波という女優の「目の強さ」から来るものだ。

そして、リカを演じる二階堂ふみ。

彼女は明らかに“演じている”。

でも、時折見せる「無表情の間」に、ふっと“素の冷たさ”が垣間見える。

それがリカという人物の、「過去に何かあったに違いない」感を強化している。

リカの言葉は、脚本ではなく“ふみ自身の言葉”のように響く瞬間がある。

俳優が「素」を出すことが悪ではない。

むしろ、役を通じて“演者がにじむ瞬間”こそが、観客の感情を強く動かす。

朝雄を演じるライオンくんの“かわいさ”に潜む存在感

そして何より特筆すべきは、朝雄役のライオンくん（佐藤大空）だ。

今回、あどけなさと謎めきの両方を背負って現れる“迷子”という難役。

でも彼は、それを一切“演技”していない。

ただ、そこに“存在していた”。

この「存在の強度」が、ドラマ全体の重力を変えていた。

彼の声、表情、歩き方、全部が自然体。

その自然体が、むしろ登場人物たちの“虚構”を際立たせる。

久部も、モネも、巡査も、劇場の大人たちも、彼の前では「本当の自分」に引き戻されていた。

しかもライオンくん、表情のバリエーションが尋常じゃない。

無表情からの小さな笑顔。

それだけで「この子には、きっと何か深いドラマがある」と想像させられてしまう。

演技を“感じさせない演技”ができる子役ほど、劇の“核”になりやすい。

彼の存在によって、大人たちの演技にも“素”が引き出されていた。

だから彼は、ただの「迷子」ではない。

“物語を呼び覚ます装置”であり、舞台の魂そのものだった。

ドラマを観るとき。

ストーリーを追うのもいい。

でも、ぜひ“演者の呼吸”を感じてみてほしい。

セリフの奥にある、“言わなかった言葉”にこそ、真実は潜んでいる。

舞台の“表”と“裏”をつなぐ者たち──誰にも見えない場所で、生きている人間ドラマ

華やかな舞台。

光を浴びて踊るリカ。観客の前で何かを“届ける”演者たち。

けれど、忘れてはいけない。

舞台が成立するのは、誰かが“照らし”、誰かが“支え”、誰かが“見届けて”いるから。

このドラマで強く感じたのは、演者ではない人間の“生”のリアルさだった。

スポットが当たらない者たちこそが、この物語の“本音”を握っている。

「舞台に立てない人間」こそ、舞台をつくっている

久部が最初に関わるのは、“照明係”という裏方の仕事。

しかもその照明係は、逃げてしまっている。

残された穴を、誰かが埋めなきゃいけない。

照明がないと、リカの踊りは“見えない”。

見えなければ、何も始まらない。

だから久部がライトを握った瞬間──

彼は“役者”以上に舞台を動かした存在になった。

思えば、リカだって、いきなり代役を頼まれて踊っている。

彼女は「踊りたい」とは言っていない。

「誰かがやらなきゃいけない」から、踊っている。

そういう“本当は主役じゃない人たち”が、舞台を裏から支えているというリアリティが、このドラマには濃くにじんでいた。

それは、現実の職場でも、家庭でも同じじゃないか。

派手に目立つ人の後ろには、照らしてくれる誰かがいる。

このドラマがじわじわ響くのは、“演じない人たち”の覚悟が描かれているからだ。

「演者じゃない自分」に、名前をつけたくなる

“照らす側”に徹する久部。

“踊るしかない状況”を受け入れるリカ。

“探すだけ”の巡査・六郎。

どれも、スポットライトを浴びるような派手な役じゃない。

でも、彼らの「動かざるを得なかった理由」には、どれもドラマが詰まっている。

人間は、いつも「選んだ」ように見せかけて、実は「選ばざるを得なかった」中で生きてる。

それでも、その瞬間を“演技”じゃなく“意志”に変えたとき、人は誰かを照らせる。

「主役じゃなくても、舞台に必要な人間」

「見えなくても、そこにいる人間」

そういう存在が、この作品では丁寧に扱われている。

そしてそれが、観る者にふっと沁みる。

なぜなら、自分自身が“照らす側の人間”だと感じた瞬間が、人生にきっとあったはずだから。

自分が演者じゃなくてもいい。

ただ、誰かの舞台を照らせたら──

そんな“静かな誇り”を、このドラマはすべての登場人物に宿らせている。

だからこそ、考えたくなる。

「自分は、誰の照明を当てているんだろう？」と。

あるいは、「今、自分が舞台に立つとしたら、誰が光を当ててくれるんだろう？」と。

そう思えたとき、観ていたドラマが、自分の物語とつながっていく。

「もしもこの世が舞台なら、楽屋はどこにあるのだろう」第1話感想まとめ

タイトルの時点で“問い”になっているこの作品。

「もしもこの世が舞台なら、楽屋はどこにあるのだろう」

──この問いの“答え”は、まだ物語の中にはない。

だけど、第1話を観終わった今、“問い続けること”こそがこのドラマの本質なのだと、はっきり思えた。

登場人物のカオス＝人生の複雑さ

初回の30分以上を費やした“キャラ紹介”。

その密度は、まるで人生で一気に何十人と出会った時のような「情報過多」と「感情の渋滞」だった。

照明係と駆け落ちする女、迷子の息子を探す母、照明を探す演者、舞台袖で迷う男。

皆、自分だけのドラマを抱えたまま、ひとつの劇場に集まってくる。

その雑多さが、“舞台”であるこの作品を唯一無二にしている。

物語は整っていない。矛盾している。混乱している。

でも、それが“リアルな人生”とそっくりなのだ。

人生は、主役も脇役も、時に逆転する。

どこが物語の中心なのか、本人ですら分からない。

このドラマが描こうとしているのは、“完成されたストーリー”ではなく、“ごちゃごちゃした人間模様”の中に潜む感情の軌跡だ。

そして、それぞれのキャラクターが背負っている“見えない背景”を少しずつ覗かせることで、観る者の心をゆっくり、でも確実に掴みにかかってくる。

今は“楽屋”の時間。物語はここから始まる

物語は、まだ“幕”が上がっていない。

照明はついたけれど、本当の“本番”はこれからだ。

今観ているのは、舞台に立つ前の、登場人物たちの「楽屋」なのだ。

それぞれが準備中。

衣装を着る前、化粧をする前、自分を作る前。

迷子のまま、照明のないまま、舞台の袖で息を整えている。

その時間こそが、「人間を観る」というドラマ体験の醍醐味だ。

第1話の最後に久部が照明を当てた瞬間。

ようやく、ひとつの“物語の始まり”が見えた。

けれどそれは、「舞台が始まった」というよりも、「舞台に立つ覚悟が生まれた」というシーンだったように思う。

つまり、我々はまだ“本編”には入っていない。

第1話は、ドラマ全体の“準備室”なのだ。

それぞれがまだ迷っている。

でも、すこしずつ光の位置を探している。

それがこのドラマの“感情の地図”を描く一歩目なのだ。

これから、誰が主役になるのか。

誰が舞台を降りるのか。

誰が照らされ、誰が見逃されるのか。

その全てを、観客である私たちは見届けることになる。

そして、きっと思うのだ。

「私自身の楽屋は、どこにあるのだろう」と。

このドラマは、観る者に“自分の舞台”を問いかけてくる。